Dos gigantes del dibujo

El otro día terminé de leer Katsuya Terada + Jung Gi Kim: Illustration Book, un libro en el que el tremendo artista japonés y el enorme dibujante coreano unen fuerzas para presentarnos sus respectivos trabajos, aunque de forma ciertamente original. Primero, Kim selecciona sus dibujos favoritos de Terada, y los comenta. Después, Terada elige los que más le gustan de Kim, y los comenta. A continuación, los vemos colaborar en un dibujo gigante que luego se usó como portada para el mismo libro. Intercalados entre estos capítulos, hay también fotos de cuando Kim visitó a Terada en Japón, y cuando Terada hizo lo propio con Kim en Corea: son fotografías que los artistas hicieron en su viaje, así como fotos de ambos artistas charlando y colaborando. Por ejemplo, durante una entrevista conjunta, ambos se dibujaron a sí mismos siendo entrevistados, y el lector puede ver ambos dibujos en el libro. Para terminar de redondear el producto, un capítulo del libro muestra un comic corto creado por ambos artistas, otro transcribe la entrevista anteriormente citada, y otro más combina ilustraciones de ambos dibujantes para crear nuevas composiciones.

La inmensa mayoría de las ilustraciones recogidas en este libro son en blanco y negro hechas a tinta, y aunque hay varias en color, la idea del volumen era tener un aspecto de sketchbook o libro de bocetos, algo que sin duda consigue, pese a que casi ninguno de los dibujos presentados pueda describirse como mero boceto, porque hay que ver la miríada de detalles que cada ilustración incluye.

Como ya os habréis podido imaginar, este libro de ilustraciones me ha parecido magnífico, y se lo recomiendo a cualquiera que esté interesado en el trabajo de ambos artistas. ¡Cinco ilustradas estrellas!

Chocolate

No os perdáis las creaciones de Karen Portaleo, una artista de la escultura comestible. Como lo oís: todas las imágenes que podéis ver en su página web (incluyendo la que acompaña estas líneas) son pasteles hechos por ella para distintos clientes. ¡Imposible elegir una favorita!

Arte galáctico

Qué gran diferencia se puede encontrar entre The Art of The Force Awakens, del que os hablé recientemente, y The Art of A New Hope, que me leí hace poco. El libro sobre el desarrollo visual de The Force Awakens se ha publicado en un momento en que este tipo de libros tiene un montón de seguidores, y sabiéndose desde el mismísimo momento en que se tomó la decisión de hacer la película que tal libro iba a publicarse; mientras que este tomo sobre la creación visual de A New Hope se publicó tras ver el enorme e inesperado éxito que tuvo la primera Star Wars en 1977. Así pues, en The Force Awakens se nos presentan cientos y cientos de páginas de ilustraciones, bocetos, pinturas e ideas, mientras que el modesto libro sobre A New Hope apenas sí llega a las doscientas páginas, y eso que incluye el guión completo de la película. Acompañándolo podemos encontrar varias ilustraciones clásicas de Ralph McQuarrie, bocetos y dibujos de Joe Johnston, y dibujillos de algún que otro artista. De hecho, y para rellenar espacio, el volumen incluye una sección con los posters de la película en distintos países, y hasta varias páginas con dibujos que los aficionados mandaron a Lucasfilm para que vieran lo mucho que adoraban la película. Vamos: que me imagino a J.J. Abrams y su gente seleccionando quinientas piezas de entre cinco mil para incluir en The Force Awakens, y comparo esta imagen con la de los editores de A New Hope, abriendo cajones y desenterrando baúles para encontrar material suficiente que justificara la edición de un libro. Y es que, claro: en 1979, cuando se publicó este libro, el tomo debió de ser pionero en su género, pero con lo que ha llovido desde entonces, leerlo ahora te sabe a poco, especialmente cuando la mayoría de diseños e ilustraciones ya los hemos visto una decena de veces como buenos fans que somos de la saga galáctica.

Ya sé que parece que esté desencantado con el libro, pero nada más lejos de mi intención. De hecho recuerdo que, cuando estaba en el instituto, deseaba poder tener el dinero suficiente para comprar tanto este libro como sus hermanos (The Art of The Empire Strikes Back y el de Return of the Jedi), y ahora, veinte años después, cuando por fin lo he tenido en mis manos, me ha gustado, pero me ha sabido a poco y no me ha aportado nada que no supiera ya. Pero un clásico es un clásico, y todo fan que se precie debería tenerlo en su estantería para mirarlo de vez en cuando y recordar tiempos más civilizados.

El proceso del genio

The Art of Drew Struzan es uno de esos libros de arte de tamaño gigantesco y a todo color que me encanta comprar, y es sin duda uno de mis favoritos por una clara y obvia razón: el arte de Drew Struzan, genio entre los genios, maestro entre los maestros. ¿Que exagero, decís? Tal vez sea porque crecí admirando sus posters de películas, o porque parecía que él siempre ilustraba los posters de mis películas favoritas, que precisamente cubrían por completo las paredes de mi cuarto: Regreso al futuro, Indiana Jones y la última cruzada, Hook, El príncipe de Zamunda, y un largo, largo etcétera que seguro no necesito recordaros. Todos sus posters me parecían extraordinarios y llenos de magia, y siempre hacían que quisiera ver la película que ilustraban. Además de composiciones sobresalientes, colores brillantes, y la promesa de acción y aventura, Struzan capturaba las caras de los actores protagonistas con incluso más precisión que una cámara fotográfica. ¿Cómo podía alguien tener tanto talento?

Por si acaso el pedestal en el que había puesto al artista no era lo suficientemente alto, The Art of Drew Struzan hace que lo adore todavía más, pues este libro no es simplemente una colección de sus ilustraciones de posters de películas, sino que muestra el proceso creativo de más de una veintena de los mismos. Por ejemplo, Struzan nos muestra el poster de Regreso al futuro, y junto a él nos enseña una docena de composiciones e ideas alternativas que presentó a los estudios antes de pintar la versión final que todos conocemos... ¡y todas estas composiciones alternativas son tan increíbles y están tan acabadas como la ilustración final! ¿Pero cómo es posible? ¿Cómo puede Struzan regalarnos un poster como ése, que es perfecto tanto en composición como en ejecución, y además mostrarnos otra decena igualmente magistral? Y eso lo hace también con las secuelas de esa película, con Indiana Jones, El ataque de los clones y Hook, con Loca academia de policía 3, Gran Golpe en la pequeña China y Harry Potter (las dos primeras), con La venganza de los Sith, Esta casa es una ruina y La niebla, ambas Hellboy, Noches de Harlem, y un montón más. Y todas y cada una de las composiciones previas, las investigaciones, ideas y conceptos están acabados (a lápiz o a todo color), los retratos terminados y tan certeros como siempre, y los resultados son asombrosos, magníficos, sublimes, y una decena más de adjetivos que podría escribir.

O sea: que si pensáis que el póster de La última cruzada es colosal, en este libro tenéis diez más igual de sobresalientes. Si vuestro favorito es el de Regreso al futuro II, lo mismo. Y si preferís La milla verde, Cadena perpetua, Blade Runner, o La criatura de la laguna negra, a lo dicho me remito. Y eso por no hablar de pósters que le encargaron distintos estudios y que luego, por unas razones o por otras, decidieron no utilizar o encargar a otro artista, y que por tanto nunca antes habían sido vistos: Cocodrilo Dundee II, Buffy la cazavampiros, Fievel va al oeste, y varios más.

Ni qué decir tiene, todas estas maravillas ilustradas vienen acompañadas de los comentarios del artista, que nos cuenta por qué tomó ciertas decisiones, de qué forma llegó a solucionar composiciones y detalles, y cómo los ejecutivos interfirieron con el proceso creativo. Un auténtico tesoro de información, vamos. Así pues, si os interesa el arte de Drew Struzan en lo más mínimo, no deberíais perderos este libro por nada del mundo, porque es una auténtica joya. ¡Siete mil estrellas más que merecidas... y me quedo corto!

Visualizando la Fuerza

The Art of Star Wars: The Force Awakens es exactamente lo que os imagináis: un libro enorme de tapa dura con las ilustraciones que se hicieron al empezar a concebir la película visualmente, las exploraciones de temas, personajes y escenarios, y las representaciones de escenas y momentos clave de la película, todo ello escrito por Phil Szostak, con citas de los distintos artistas que participaron en la creación del material recogido en el tomo.

El libro está dividido en capítulos que siguen el orden cronológico de desarrollo de la película, con lo que las primeras ilustraciones datan de enero de 2013, y desde ahí continúan hasta la fase de post-producción de The Force Awakens en el otoño de 2015. Gracias a esta forma de presentación del material, podemos ver exactamente cuándo se llegó al diseño final de naves y personajes (el de Kylo Ren fue de los últimos diseños en aprobarse), y cuándo se tomaron decisiones que impactaron al resto del conjunto. Por otro lado, al mostrarse el proyecto de manera cronológica en vez de centrarse en personajes, vehículos, criaturas, y demás, hay algunos detalles que se pierden o no se incluyen, como por ejemplo a quién se le ocurrió el diseño de la espada de Kylo Ren, y por qué es así. Esto, personalmente, era algo que me interesaba bastante, pero no hay mención alguna en el libro. Por el contrario, se nos presentan decenas (literalmente) de ilustraciones del interior de la base Starkiller, y del interior del puente de mando del Destructor estelar.

Esta falta de equilibrio es algo que debo decir me molestó un poco, pues aunque me gusta ver el diseño de ambientes y escenarios, prefiero ver el desarrollo de personajes y criaturas, pero este libro, a través de sus cientos y cientos de hermosísimas ilustraciones, hace justo lo contrario: enfatizar escenas y lugares, y dejar a los personajes, su vestuario y sus complementos un poco de lado, excepto por Kylo Ren, de quien se nos muestran decenas de diseños desde que no era más que un personaje conocido como "Jedi Killer" hasta que el gran Glyn Dillon dio con su aspecto final. Pero no hay apenas dibujos de los soldados de asalto y de cómo se llegó a su diseño final, y eso por no hablar de Poe Dameron (casi completamente ausente en este tomo), Phasma (sólo hay un dibujo, y ni se explica quién es), o incluso Rey y Finn, a quienes se les ve más bien poco en el libro, y eso que son los protagonistas. Pero vistas panorámicas de Jakku podéis encontrar todas las que queráis. De hecho, probablemente más de las que querríais ver.

En general, el libro me ha gustado, pero pese a tener más de doscientas páginas repletas de magníficas ilustraciones, me dejó con la sensación de que faltaban cosas y sobraban otras. Pero bueno: si estáis interesados en el desarrollo visual de la fantástica película de J.J. Abrams, The Art of Star Wars: The Force Awakens os resultará atractivo, aunque no sea perfecto. ¡Tres estrellas estrellas galácticas, y media de la Muerte!

Vengadores a toda velocidad

El gran Kim Jung Gi ha hecho una ilustración gigante de Los Vengadores que Marvel va a partir y publicar como ocho portadas conectadas entre sí para su evento Civil War II. El dibujo, como podéis observar, es ciertamente complejo, pues no sólo incluye decenas de personajes en todo tipo de posturas, sino también camiones, motocicletas, y demás objetos por todas partes.

Si esto por sí no os resulta impresionante, considerad el siguiente dato: Kim Jung Gi no abocetó ni un sólo personaje, pose, o amago de composición antes de ponerse manos a la obra. ¿Increíble? Pues si no os lo creéis, aquí podéis comprobar la veracidad de la afirmación, ya que el artista se grabó haciendo el dibujo de principio a fin. El vídeo se reproduce a alta velocidad, con lo que dura sólo cinco minutos, así que no tenéis excusa para no sentaros y echarle un vistazo, que bien vale la pena. ¡Ciertamente impresionante!

El rey de los monos

Publicado por Dark Horse, Dragon Girl and Monkey King es un tomo de doscientas páginas en tapa dura que recopila un montón de ilustraciones de Katsuya Terada, artista japonés autor de manga, portadas de novelas, revistas y videojuegos, diseñador de personajes para películas, y un sinfín de aventuras artísticas más. Si nunca habéis visto la obra de Terada, no tenéis más que seguir este enlace para ver centenares de sus dibujos y pinturas, entre los que encontraréis decenas de favoritos rápidamente.

En las doscientas páginas del libro, no hubo ni una sola ilustración que me dejara indiferente, pero como no puedo ponerlas todas en esta entrada, he escogido una de mis favoritas, que podéis apreciar bajo estas líneas. En esta ilustración, Terada-san pinta no sólo un dragón increíblemente realista y detallado, para el que obviamente se inspiró en las ballenas para solucionar varios detalles, sino que incluye un elemento humorístico con la niña dibujando un gato en sus escamas cual grafitera de pro. Estupendo, ¿verdad?

Por si las magníficas ilustraciones os parecen poco, el libro incluye comentarios del autor sobre varias de las piezas, y una entrevista en la que habla sobre sus inquietudes artísticas, lo que le interesa investigar y desarrollar, y varias colaboraciones que ha hecho con otros artistas y en otros medios a lo largo de su carrera artística. ¿Quién podría pedir más?

En resumen, Dragon Girl and Monkey King es un libro visualmente delicioso que deleitará e inspirará a cualquiera que tenga el placer de degustarlo con calma y tranquilidad. ¡Cinco estrellas ilustradas!

Superhéroes pintados

No os perdáis este estupendo vídeo de pintura corporal y superhéroes. Es interesante ver cómo la artista/modelo mezcla las dos dimensiones de los comics con la tridimensionalidad de su propio cuerpo.
¡Que lo disfrutéis!

Diseñando al cazador

La idea detrás de The Skillful Huntsman es de lo más interesante, y el subtítulo del libro la expresa de forma perfecta: Visual Development of a Grimm Tale at Art Center College of Design. La idea que tuvo uno de los profesores de este reputado centro de Pasadena (California), Scott Robertson, fue la siguiente: mostrar el proceso de desarrollo visual de una historia. Para ello, escogió a tres de sus estudiantes, Felix Yoon, Mike Yamada, y Khang Le, y les dio un cuentecito corto de los Hermanos Grimm titulado The Skillful Hunstman (conocido como El hábil cazador en español) para que lo desarrollaran visualmente. Esto quiere decir que los artistas tuvieron que diseñar a los personajes principales de la historia, las localizaciones y edificios más importantes, los vehículos, armas y objetos, y cualquier otra cosa que aparezca en la historia y que tenga cierta importancia. Los tres artistas tuvieron libertad absoluta para diseñar todos estos aspectos de la historia, y para ubicar el cuento en la época que mejor les pareciera, y lo que se ofrece en el libro es la exploración visual que los artistas desarrollaron.

Para que os hagáis una idea, el libro está dividido en capítulos como "el cazador", "la princesa", "el castillo", "el rey", "el bosque", "la pistola de aire" (el arma principal del cazador), "los gigantes", etcétera. En cada capítulo, los artistas muestran sus bocetos preliminares y estudios de siluetas, formas y figuras, y después muestran bocetos y dibujos algo más acabados de las ideas que más les gustaron, y otras piezas totalmente terminadas, pero sin llegar nunca a elegir un diseño final "para la película". Por tanto, algunos de los diseños de, por ejemplo, el cazador, lo presentan como un pistolero, otros como un caballero con armadura, otros como un aventurero espacial, y otros como un samurai de la época feudal japonesa. Lo mismo pasa con los edificios: van desde construcciones de piedra básicas hasta los edificios más futuristas que imaginarse pueda. Y así con todos los temas, personajes o escenarios de la historia.

Las ilustraciones en este libro son, obviamente, la parte más atractiva, pero la investigación y el proceso de desarrollo visual es lo realmente interesante, ya que muestra la exploración, la búsqueda y el proceso de generación y refinado de ideas de tres artistas excelentes, y cómo algo tan simple como un arma puede diseñarse de docenas de formas diferentes, y encajar con la historia que se cuenta.

A lo largo del libro, tanto los tres artistas como el profesor ofrecen comentarios sobre las distintas piezas, y hablan sobre el proceso creativo, por qué tomaron ciertas decisiones, y por qué escogieron seguir un camino determinado, lo que ayuda a situar los dibujos y bocetos en su contexto, y les da mayor significado.

Por si no habéis caído en la cuenta todavía, The Skillful Huntsman me ha encantado, y sin duda se lo recomiendo a todo aquel que esté interesado en el desarrollo visual, ya que ofrece un examen detallado y profundo de lo que significa desarrollar una historia visualmente. Ver a los tres artistas dar rienda suelta a su imaginación y crear no uno sino varios mundos nuevos para luego explorarlos y detallarlos bien vale el precio del libro. ¡Cinco habilidosas estrellas!

El graffiti definitivo

Aquí tenéis "Muto", una obra del artista italiano Blu. ¡De lo más interesante!

Animales urbanos

Obviamente, la cosa hoy va de arte urbano y animales. Aquí tenéis una colección de dibujos/pinturas callejeras del artista belga Dzia, en cuya página web y su cuenta de Instagram podéis ver más de un centenar de sus trabajos incluyendo ballenas, rinocerontes, y un montón de animales más. ¡De verdad que no puedo escoger un favorito!

Texturas de tigre

Por si no habíais tenido bastante con el baile de leones de hace unas horas, aquí tenéis a Hua Tunan pintando un tigre a base de salpicones. Desafortunadamente, el proceso no está fotografiado tan concienzudamente como el de los leones, pero hay un archivo gif en el que se puede ver al artista chino "atacando" al tigre. Enjoy!

Baile de leones

POW! WOW! Taiwan x Imperial Taels x Hua Tunan Project Video from POW! WOW! Hawaii on Vimeo.

El gran Hua Tunan vuelve a la carga con más leones chinos, esta vez en tamaño familiar en un edificio en Taipei. El enlace contiene fotos del proceso y de la pieza terminada, y es impresionante. Enjoy!

Inktober: Weapons of Choice

Como el otro día pedisteis una foto de las herramientas que he estado usando durante tintubre, aquí la tenéis. No es de gran calidad, pero espero que al menos os dé una idea:

1. Tinta Speedball y pinceles de distintos tamaños. El que más uso es el que aparece en primer plano.

2. Bolígrafo de tinta blanca Sakura.

3. Rotuladores técnicos Copic. Los grosores, de mayor a menor, son 0.3, 0.1, 0.05, y 0.03.

4. Bolígrafo Uniball Vision. Como ya he dicho con anterioridad, este bolígrafo ni es artístico ni es nada, pero hay que ver lo estupendamente que se desliza por la página, y lo versátil que es.

5. Pentel pocketbrush.

¡Espero que os haya resultado medio interesante!

El rey león

Si no conocéis al artista chino Hua Tunan, no sabéis lo que os estáis perdiendo. Si buscáis imágenes de sus pinturas en Google, encontraréis una colección de animales tanto o más impresionantes que este búho que he escogido para ilustrar esta entrada. Y si queréis ver al artista pintando un león en una pared, no tenéis más que ver el vídeo adjunto. ¡Espero que lo disfrutéis!

Foshan Lion Head | Chen Yingjie x NeochaEDGE /// from Neocha on Vimeo.

Cinemático

Escrito e ilustrado por el mallorquín Marcos Mateu Mestre, Framed Ink es un libro repleto de buenos consejos para cualquiera que esté interesado en contar historias de forma visual. Con agudas observaciones y excelentes ideas, Mateu ofrece al lector un fantástico paseo en el que comparte sus años de experiencia como artista de storyboards y desvela los secretos para hacer que una escena (o viñeta) resulte más dramática, intensa, o simplemente se adapte a la que debería ser su función primordial. Dando siempre prioridad a la sencillez y a la manera más efectiva y clara de transmitir lo que se desea, Mateu señala dónde ubicar elementos de importancia, cómo hacer que las secuencias fluyan mejor, y cómo estructurar cada escena o viñeta para que el público o el lector comprenda lo que se le cuenta, y sienta las emociones que se le quieren transmitir.
En resumen: Framed Ink me ha hecho darme cuenta de que, a pesar del tiempo y esfuerzo que puse en diseñar las páginas y viñetas de Ruled by Spiders (que podéis comprar aquí o aquí), todavía me queda mucho por aprender. Afortunadamente, ahora tengo este libro para ayudarme a componer mis escenas y mejorar mis técnicas narrativas, con lo que sin duda mi próximo cómic será muy superior al anterior. ¡Una joya de libro más que recomendable para cualquier narrador visual!

Sólo se pinta dos veces

The Art of Robert E. McGinnis es, como su título bien indica, un libro que repasa la carrera del magnífico pintor, y que viene repleto de reproducciones a toda página de su obra. Escrito por Art Scott, el libro está dividido en secciones temáticas: sus portadas para novelas de detectives (y otros géneros), posters de películas, desnudos, vistas del oeste, paisajes, ilustraciones para revistas, y trabajos personales y para galerías de distinto tipo. Acompañando a los cientos de imágenes, Scott narra la evolución del artista, cómo empezó a trabajar en los distintos temas y géneros, y ofrece decenas de citas del autor extraídas de una larga y exhaustiva entrevista que le hizo el año pasado.

Aunque puede que no os suene el nombre, os aseguro que habéis visto un montón de pinturas de McGinnis, especialmente si os gusta el cine: Breakfast at Tiffany's y The Odd Couple son los primeros nombres que me vienen a la cabeza, pero no puedo dejar de señalar sus posters para la serie de James Bond: Thunderball, You Only Live Twice, Diamonds Are Forever, The Man with the Golden Gun, y muchos más que no me voy a poner a recitar. (Podéis ver todas las ilustraciones mencionadas siguiendo los enlaces.)

En resumen, este volumen de casi doscientas páginas de tamaño gigantesco es un auténtico festín visual, y hará las delicias de todos aquellos interesados en el tipo de ilustración que dominó portadas de libros y de películas en la segunda mitad del siglo veinte. ¡Un libro de lo más recomendable!

El maestro ilustrado

El otro día terminé por fin de digerir Creative Illustration, el legendario libro escrito e ilustrado por Andrew Loomis que trata, como su nombre indica, de ayudar a los artistas a mejorar en distintas áreas, y los anima a probar y practicar distintos medios y técnicas para potenciar su creatividad. El libro es un tomo enorme repleto de buenas ideas y mejores consejos, y Loomis prueba ser un profesor eficaz y apasionado además de un artista magnífico cuyas ilustraciones dejan al lector sin aliento.
Loomis habla de la línea, los tonos y valores, luces y sombras, color, composiciones, y una decena de cosas más que resultarán tan interesantes como indispensables a cualquier artista, e ilustra todos sus conceptos con brillantes piezas tanto a color como en blanco y negro que por sí solas bien justificarían comprar el volumen. Una delicia visual, que además viene repleta de agudas observaciones avaladas por la experiencia y fama del artista. ¡Una lectura tan amena como instructiva!

La fantástica Avonlea

El jueves pasado, Crystal estuvo haciéndole fotos a nuestra sobrina Avonlea en la granja. La idea era que Avonlea llevase varios vestidos específicos para una sesión de temática circense que se le había ocurrido a Crystal. Para ello, el día anterior fuimos al zoo de Atlanta para que Crystal pudiera hacer fotos de varios animales, y una vez tuvo las fotos de los animales y de nuestra sobrina, se puso manos a la obra y creó una serie de imágenes de lo más resultona.

No contenta con esto, se le ocurrió que podíamos hacer una colaboración interesante: mezclar mis dibujos con sus fotografías. Así pues, escogió la foto que quería, y me pidió que dibujara una carreta de feria y un cartel anunciando las habilidades psíquicas de la adivina más famosa de Georgia. Una vez tuve ambos objetos terminados, los puse en la foto, los integré lo mejor que pude, y le pasé el archivo a Crystal para que lo retocara, editara y fusionara todos los elementos con ese toque suyo tan particular. El proceso y el resultado los tenéis ahí al lado, ¡y espero que os guste!

Arte anónimo

Exit Through the Gift Shop es un documental fascinante por varias razones. Exit Through the Gift Shop comienza con el francés afincado en California Thierry Ghetta, un tipo que tiene una tienda de ropa en Los Angeles, pero cuya verdadera pasión es filmarlo absolutamente todo con su cámara. Un día, Guetta viaja a su París natal para ver a su primo, y descubre que su pariente se dedica al arte urbano usando el sobrenombre de Invader. Guetta empieza a acompañarlo entonces en sus aventuras nocturnas, filmando tanto la preparación de sus mosaicos en su estudio como la "puesta en escena" en la calle. A través de Invader, Guetta conoce a algunos de los más prominentes artistas del graffiti incluyendo a Shepard Fairey y, aduciendo que está trabajando en un documental sobre el street art, les pide permiso para acompañarlos en sus correrías, labor esta a la que se dedica por unos diez años y gracias a la cual oye hablar por primera vez de Banksy, el celebérrimo grafitero inglés cuya identidad continúa siendo un misterio para todo el mundo.

Empeñado en conocer a Banksy, Guetta hace todo lo posible por establecer contacto, y cuando finalmente lo consigue, Banksy le permite acompañarlo un par de veces. Esto marca el inicio de una larga colaboración durante la cual Banksy anima continuamente a Guetta a terminar su documental. Guetta acaba por acceder, con lo que regresa a Estados Unidos y se pasa varios meses encerrado en la sala de edición para transformar los miles de horas de grabaciones que tiene en algo coherente y mucho más corto que Guetta titula Life Remote Control. Cuando por fin termina la cinta, Guetta se la manda a Banksy para que le dé su opinión, y es aquí cuando empezamos a darnos cuenta de que Exit Through the Gift Shop realmente no es un documental sobre Banksy y los grafiteros dirigido por Guetta, sino un documental sobre Guetta dirigido por Banksy, y es entonces cuando las cosas dan un giro inesperado. Banksy, que para mantener su preciado anonimato aparece en el documental oscurecido y con la voz electrónicamente alterada, nos cuenta cómo Life Remote Control era un auténtico desastre, y cómo se le ocurrió que podía utilizar las horas y horas de vídeo que Guetta había grabado para contar la interesante historia del francés.
No sólo eso, sino que Banksy anima a Guetta a convertirse él mismo en artista callejero, sugerencia que Guetta acepta con un entusiasmo y dedicación que nadie se habría esperado. Lo primero que Guetta hace es cambiarse el nombre: a partir de ahora, será conocido como Mr. Brainwash, o MBW, como reza su firma. MBW empieza a "crear" arte callejero que no deja de ser una derivación de lo que el propio Banksy hace, y cuando el británico le sugiere hacer una exhibición con algunas piezas, MBW se pone manos a la obra con tal celo, tal pasión, y tal entusiasmo que genera cientos y cientos de "obras de arte". Claro que, realmente, MBW no las hace él mismo, sino que contrata a un equipo de diseñadores gráficos y otros artistas para que las hagan por él. Según se va acercando el día de la inauguración, todo se vuelve más y más caótico, pero al final la exposición resulta ser todo un éxito, y MBW se entrega de pleno a su nueva carrera artística mientras un sorprendido Banksy se queda preguntándose cómo las cosas se han salido tanto de madre.

El documental en sí mismo es muy interesante, pero más interesante aún resulta la especulación que, desde el estreno de Exit Through the Gift Shop en 2010, lo ha acompañado. Tanto críticos de arte como cinematográficos y público "no especializado" se preguntan si la historia de Guetta/MBW es real, o si todo es un montaje de Banksy para pasar el rato y para lanzar la carrera de un artista inexistente. Se especula que el propio Banksy podría ser responsable de las creaciones artísticas de MBW, hechas a propósito para parecer malas imitaciones de las del mismo Banksy, pero Banksy niega todo esto y dice que la historia de Guetta/MBW es verídica. No falta tampoco quien dice que MBW es realmente Banksy, pero las investigaciones que se han hecho en torno a Guetta parecen probar definitivamente que el francés no es Banksy; lo mismo que el documental prueba, en mi opinión, que Guetta/MBW no es realmente un artista, lo que abre el debate de qué es arte y si alguien que trabaja con un grupo de diseñadores gráficos para materializar su propia visión artística se puede considerar un verdadero artista. Al mismo tiempo, mucha gente piensa que el mismo Banksy no es un artista sino un vándalo que se dedica a pintarrajear por las calles, con lo que el debate no es tan sencillo como parece, ni la definición de palabras como "arte" y "artista" está tan clara o es tan simple como podría parecer a primera vista. Como podéis ver, Exit Through the Gift Shop es también más de lo que parece a primera vista, y toda esta metatextualidad me resultó tan estimulante como interesante, con lo que no puedo sino recomendaros que, si tenéis un mínimo interés en el mundo del arte, le echéis un vistazo a este documental, que vale mucho la pena.